Andrés Prado

Andrés Prado es un referente de la Guitarra Jazz en el Perú, cómo músico y profesor, su nombre ha ganado un gran pretigio en nuestra escena musical

Guitarra Perú- Varios músicos me han comentado, que luego de haber tenido la oportunidad de estudiar y tocar fuera del país, recién se dieron cuenta de la diferencia del nivel musical local con el extranjero. Cuéntanos tu experiencia al respecto.

Andrés Prado- Lo que yo note es que hay mas actividad definitivamente. Pero estamos hablando de los sitios donde yo he estado, como es el caso de Buenos Aires y Londres. Lo que note es que hay mas actividad, mas organización, mucho músicos. Pero al mismo tiempo te puedo decir que aquí hay pocos (músicos) pero el nivel es bueno.

GP - Se podría decir entonces que hay mas competencia...
Andrés - Lo que pasa es que si hablamos de cuestión de estilos, por ejemplo, si hablamos de jazz específicamente, obviamente aquí casi no hay.

GP - Justamente a eso me refería, aquí he visto los jam sessions del jazz zone por ejemplo, y he visto tocar a muchos músicos de la élite jazz local, y veo muy buenos músicos, pero también he visto otros músicos que pareciera que aun les falta nivel para lo que aspiran a tocar.
Andrés - Comprendo, habría que analizar también estilos, no? Por que al decir jazz nos estamos refiriendo probablemente a un género demasiado amplio. Actualmente jazz significa muchas cosas, no? Lo que si podemos encontrar dentro de la palabra, dentro del genero es que lo caracteriza la improvisación, hay gran dosis de improvisación, sea cual sea el genero del jazz que tocas. Ahora el jazz puede ser música africana con improvisación y algunos elementos armónicos de lo que es el jazz, puede ser música afroperuana, puede ser música hindú... el jazz se ha fusionado con todo, esa es una de las ventajas y las cosas que yo mas aprecio de este lenguaje, en que justamente no expele sino incluye, incluye todo, cuando llega el jazz se mezcla, no es como otros géneros que de repente son mucho mas cerrados en su interpretación, no incluyen... Ahora, volviendo al tema del nivel, lo que yo podría decirte que aquí hay buenos músicos que tocan latin jazz. Obviamente si estamos hablando de jazz contemporáneo dentro de la línea del swing, dentro de la línea del beep bop moderno, no vamos a encontrar, no existe mucho ese lenguaje, y los que están empezando a tocarlo, por que ya hay gente que esta empezando a tocarlo, que esta entendiendo mas el lenguaje, recién lo están descubriendo por que es un lenguaje que no lo hemos palpado, la única forma de poderlo palpar es irse Nueva York, o irse a una gran ciudad donde realmente los músicos lo toquen. Entonces al hablar de nivel hay obviamente hay muchas cosas que ver, que analizar, allá afuera hablando de sitos como Nueva York, Londres, París o Buenos Aires, vamos a encontrar mas profesionales que aquí, mas gente que se pueda desenvolver rápidamente en una circunstancia y muy profesionalmente, que sabe el lenguaje y que puede desenvolverse. Aquí va ser mas difícil encontrarlos en esa cantidad.

GP - Otra cosa que influye es la cantidad de escuelas, ¿no?
Andrés - Obviamente el aspecto educativo en otros lugares es muy grande. Aquí todo esta por hacerse.

GP - Y nivel competitivo también...
Andrés - Bastante competitivo! , aquí esta empezando. Te hablo de mis alumnos, están en Berkley, otros están en Boston, en diferentes partes estudiando, y luego vuelven, tocan y ya suena diferente, y hay mas como “oye a ver tu que estas tocando, y que estas haciendo por allá” y yo veo que hay un cambio.

GP - ¿Y como se te presento la oportunidad de viajar a Europa?
Andrés - Yo he viajado ya en tres oportunidades, esta última no fue por una decisión personal, fue por un motivo médico. Y terminé en Inglaterra por tercera vez y bueno, entonces empecé a buscar por ahí y bueno empecé a tocar.

GP - ¿Que fue lo primero que hiciste como músico al llegar allá?
Andrés - Lo que te puedo decir , es que , si tu sales si ningún tipo de contactos es bien difícil, sobre todo si es que no tienes un buen nivel dentro de lo que quieres hacer; vas a encontrar bastantes dificultades. Ahora, hablando del caso particular de Inglaterra o de Londres lo que te puedo decir es que la escena londinense de Jazz es cerrada. Lo primero que hice fue intentar hacer contactos, y viendo que fue difícil entrar a la escena, busqué intentar entrar por otros medios, postulé a un Post-Grado de Jazz en el Trinitry College de Londres, y a partir de ahí comencé a conocer gente y empezar a tocar.

GP - ¿Cuándo y cómo empezó tu interés por el Jazz?
Andrés - Creo que cuándo tenía 10 años. Había un programa en televisión que en este momento no me acuerdo, pero era un programa de Jazz y ahí empecé a escuchar a “esa gente” tocando con “cosas raras”, improvisando...desde ahí me impactó. Aunque no lo toque inmediatamente obviamente, pero siempre ha estado ahí ese recuerdo.

GP - ¿Todos los músicos siempre empiezan a tocar motivados por una banda, solista o tienen algún ídolo cuál fue para ti ese ídolo
Andrés - El espíritu con el que siempre me identifico es definitivamente Hendrix, a pesar que no hago lo que el hace, pero haga lo que haga, en términos de espíritu me identifico completamente con él.

GP - Es raro para un músico de Jazz...
Andrés - Claro, eso me dijeron, ¿Qué tiene que ver tu música con Hendrix? Es lo que vez me preguntaron, y yo les dije , bueno, probablemente el estilo es diferente pero hay un solo espíritu nos une, que nos identifica con algo y no necesariamente uno hace lo mismo, si no es mas en términos de energía, de mística, etc...

GP - Si bien Hendrix fue con el que te sentiste identificado, ¿Cuáles fueron tus influencias musicalmente?
Andrés - Musicalmente te puedo decir que he tenido muchas influencias, demasiadas, todo lo que escucho me influye. Si quieres sacarme ahí un maestro que me ha influido totalmente, sinceramente ... mmm.. bueno en Jazz te podría decir que son 2 los que siempre me influyen, los siento siempre muy cerca, son Coltrane y Mile Davis.

GP - Tus temas ahora son mas acústicos que eléctricos, ¿Porqué el cambio? Andrés - De que ahora estamos hablando (risas). De la ultima vez que vine, hace 2 meses, para un festival de jazz con este grupo (Andrés Prado Trío), sí, presente una cosa bastante acústica, diría mas peruana , mucho mas peruano de lo que antes hacía. Pero ahora estoy volviendo otra vez a la eléctrica, en realidad las 2, me gustan las 2 guitarras. No se puede decir que he cambiado decididamente al acústico y no voy a tocar lo otro.

GP - ¿Qué tanto te sirvió el estudio de la guitarra Clásica en el desarrollo del Jazz?
Andrés - Yo diría que bastante; mas que nada, no sólo la guitarra clásica, si no la música clásica en general. Tocar música clásica me dio una buena base para poder ir a lo otro. Yo creo que lo clásico tiene una sólida base que te permite explorar otras cosas.

GP - La fusión con ritmos peruanos, ¿Fue algo que nació de ti, o fue un cambio para tratar de ingresar a otros mercados?
Andrés - La fusión no se debe a nada, o sea, simplemente llegó. Como compositor te puedo decir que no he planeado fusionar específicamente un estilo con otro estilo. Yo creo que llegó simplemente, llegó un momento en que: Compuse esto! Y tenía que tocarlo. Todo lo que compongo parte de una idea que viene, no soy compositor de forzar a escribir algo pensando: ahh ya voy a mezclar esto con esto, no... son siempre como ideas que vienen de pronto y tengo que ponerlas en un papel.

GP - Los 2 músicos del Andrés Prado Trío son extranjeros y se acoplaban muy bien, sobretodo el baterista, a los ritmos peruanos ¿Fue difícil el acople?
Andrés - Eso les preguntaron a ellos, y ellos dijeron que fue difícil, pero dentro de mi perspectiva, vi que lo hicieron muy fácil, muy naturalmente. Y hablando específicamente del baterista, fue una cosa muy curiosa, por que el es noruego y ninguno de los 2 había escuchado música peruana, nada... no tenían la menor idea, pero Terje (Evensen) es una baterista muy especial, tuve suerte de conocerlo, él estaba justamente también estudiando en el Trinity, ahí fue donde lo conocí, y capto la onda de una manera muy especial, parece como que hubiera estado conectado ya con la música peruana antes. Son cosas que pasan no? No sabes explicarlo.

GP - Una de tus características al improvisar es la velocidad ¿Cómo la desarrollaste?
Andrés - La velocidad es una tema muy interesante. Sí, me han dicho que soy un guitarrista veloz, yo observo la velocidad de diferente forma. Yo creo que tocar rápido simplemente una escala mucha gente lo puede hacer, que es lo que naturalmente me sale. Pero cuando tu comienzas a descubrir la armonía, el concepto de lo que tu quieres transmitir , cuando hablamos de frases, cuando comenzamos realmente a construir un vocabulario en el Jazz y quieres decir algo ahí empiezan los problemas; ya la escala rápida no sirve, todo lo técnico y rápido no te sirve en el plano de la comunicación; ahí , para comunicar algo rápido realmente tienes que tener una serie de recursos no solamente técnicos, si no también emocionales y compositivos sólidos que te permitan realmente ser rápido. Eso para mí es un músico rápido, ahora hablando dentro de ese plano, no me considero un músico rápido. Todavía estoy aprendiendo, me tropiezo, me caigo y a veces trato de comunicar una idea y no me sale. Pero rápido en tocar escalas y todo eso que no significa absolutamente nada, sí, se puede decir que soy rápido, pero tratando de hablar algo y decir algo creo que soy un poco lento.

GP - Muchos maestros de guitarra clásica aconsejan no tocar guitarra eléctrica por que “malogra la técnica” , tu que has tocado los 2 instrumentos, ¿Te pasó algo parecido?
Andrés - La verdad que no, pero si conozco de casos. Yo creo que también depende de con que profesor estas, por que mientras mas explores es mejor.

GP - ¿Cuál de las dos guitarras aprendiste a tocar primero?
Andrés - Yo comencé a tocar guitarra clásica.

GP - ¿Y cómo fue el cambio a la eléctrica?
Andrés - Bueno, lo clásico me dio una facilidad increíble para tocar la eléctrica, mis dedos estaban totalmente trabajados, había independencia, ya iba a la guitarra eléctrica con una cierta base.

GP - ¿Y la técnica de la mano derecha?
Andrés - La técnica de la mano derecha fue todo un rollo para mí, porque en Buenos Aires estudié con todo el método Berkley entonces me decían: Mira no, trata de tocar todo con púa! Y dale a la púa!. Pero al final yo comencé a tocar con púa y con dedos, porqué cómo no voy a usar mis dedos decía yo, sólo voy a limitarme a la púa, no puede ser. Y ahora mi técnica es una fusión de las 2. No solamente para la mano derecha, sino para la izquierda también , tengo técnica de guitarra eléctrica y técnica de guitarra clásica, específicamente de Carlevaro.

GP - Háblanos de tu proceso de composición,¿Cómo desarrollas un tema?¿Trabajas con una sola idea, juntas varias ideas? ¿analizas mucho tus composiciones?
Andrés - Difícil de responder, mmm, no analizo mis composiciones, bueno, mejor dicho, no analizo como las compuse: analizo como improvisar sobre ellas cuando ya están hechas. Yo creo que personalmente me ha sucedido siempre me viene una idea, algo me viene siempre, y a partir de ahí es que viene todo lo demás, ya casi como consecuencia. No soy un químico ni soy matemático de la música en ese sentido; conozco otros músicos que sí son mas como arquitectónicos de la música y los respeto totalmente, es sumamente valioso, pero eso no soy yo. En todo caso, utilizo sí un poco la “arquitectura” cuando trato de repente de desarrollar una pequeña idea a la que quiero darle un cuerpo.

GP - ¿Tratas de trabajar tus ideas mas a nivel de sensaciones y sentimientos?
Andrés - Para hablarte más del proceso, bueno, esto lo ha dicho el maestro “Chocolate” (Algendones, reconocido cajonero y percusionista) que yo lo que hago es componer paisajes, que soy un músico paisajista. Yo creo que ha acertado totalmente en ese criterio; porque, lo que yo siento primero son como paisajes, sensaciones paisajistas y a partir de ahí como que algo me pica, y de pronto sale algo, la melodía cae y luego viene lo demás. En eso cada vez estoy mas metido, en la creación de paisajes dentro de la música.

GP - ¿Dónde y cuándo grabaron el disco con el Andrés Prado Trío?
Andrés - La fecha exacta no la recuerdo, mmm Mayo del 2002! Fue grabado en el estudio del Trinitry College.

GP - ¿Es muy diferente improvisar en estudio que en vivo? Andrés - Lógico... es completamente diferente, hay otro tipo de química y sensación, obviamente, en el estudio estas siempre como concentrado no? “No me voy a equivocar”! y a veces uno lo caga todo, por ejemplo eso me pasó una vez en el estudio, hasta que mandas todo a la mierda y comienzas a tocar simplemente. Tienes que pasar esa barrera para poder liberarte del estudio. En cambio cuando tocas en vivo, para un público, la química es otra, es lo que te están escuchando y lo que tu estas proyectando a ellos, entonces hay una cosa circular que te realimenta y siempre es mucho más energético y es mucho más vital que grabar en el estudio, que es una cosa encerrada, un cuarto con headphones y con cables y todo incómodo. Es otra sensación.

GP - Algo parecido comentaba Scott Henderson en una entrevista que leí. Andrés - Uyy..claro, olvídate...Yo creo que la improvisación existe por que existe gente que te escucha.

GP - Mencionaste a Hendrix, aparte de él ¿Hay otros guitarristas de rock que admires?
Andrés - Realmente no admiro a muchos guitarristas de rock para serte honesto, me gusta la energía de rock. Te puedo hablar de repente en términos de energía, de electricidad que es lo que me encanta del rock y sí te podría mencionar al guitarrista de AC/DC..

GP - Angus Young...
Andrés - Sí, hablando de rock rock.. sí, lo podría escuchar. Proyecta muy eléctricamente. Muy fuerte. Ahora, yo a Hendrix yo no lo considero rock, lo considero muchas cosas. Hay muchas cosas ahí metidas, muchas cosas. Muchos de sus riffs que toca él son cantos indios norteamericanos, eso es lo que descubrí. Hay elementos de Blues, hay elementos muy antiguos y por supuesto, está el sonido del rock no? La electricidad. Pero hay un montón de cosas ahí metidas, Yo no lo catalogaría solamente como rock.

GP - A tus alumnos, una de las primeras lecciones que das se basa en un standart “Blue Monk” que es mas un standart de Blues que de Jazz. ¿Consideras que un guitarrista de Jazz debe ser también un guitarrista de Blues?
Andrés - Ah eso es obligatorio. No existe músico de jazz que no sepa tocar Blues. El Blues es primero definitivamente. No creo que llegues muy lejos si es que no sabes tocar Blues. Esa es mi opinión. Y los buenos músicos de Jazz van a tocar Blues pero muy muy bien, lo van destrozar, van a saber como hacerlo de mil formas. Ahora con esto del Blues no te estoy hablando de un estilo determinado de Blues, por que hay músicos de Jazz que tocan blues de diferentes formas, pero son muy concientes de la estructura, han escuchado y saben que decir en un Blues... porque en un Blues tienes que decir algo, sino dices nada mejor chau , vete, un Blues es para contar algo, una historia.

GP - ¿Tu empezaste con Blues también?
Andrés - Yo... no, yo empecé después de lo clásico, antes de estudiar Jazz comencé a meterme a tocar Jazz, obviamente que era un desastre, no me salía nada. Pensaba que me salía (risas), creía que estaba tocando bien, pero estaba tocando desastroso. Bueno, es parte del proceso de aprendizaje, exploras por donde uno encuentra un camino. Después descubrí el Blues, el Jazz me lanzó al Blues como diciendo: Oye huevón no puedes tocarme, primero tienes que tocar Blues no? Y eso me lanzo al blues, a escuchar Blues. No toqué Blues tradicional como los guitarristas bluseros tradicionales, pero escuché bastante y me metí al Blues por el lado del Jazz. Y eso es lo que más me encanta... y en el Blues está todo, definitivamente.

GP - ¿Músicos de Blues?
Andrés - Me gustan Jazzistas que tocan el Blues, por ejemplo, te puedo mencionar el caso de Charlie Christian (Pionero de la guitarra eléctrica en el Jazz)...me gusta como toca el Blues. Siempre el matiz del Jazz dentro del Blues me ha fascinado; porque es como que le abrió una puerta al Blues y hay unos caminos, unos pasajes armónicos o unas pequeñas inflexiones melódicas o rítmicas que le dan otro matiz que a mí me agrada más.

GP - Hay muchos guitarristas de Jazz y en general músicos de jazz que son muy pegados a la tecnología, al uso de efectos, procesadores. ¿Es ese tu caso?
Andrés - Con la tecnología puedes obtener cosas increíbles, pero yo soy un músico que le gusta lo mas directo, lo que sale más directo de mi mano.

GP - ¿Qué opinas de los guitarristas que piensan que empíricamente pueden lograr todo, sin teoría?
Andrés - Yo creo que la teoría definitivamente te abre puertas. Nosotros tenemos un aspecto no solo emocional, sino un aspecto intelectual, y el que no quiere cultivar su aspecto intelectual bueno, se queda bruto. Lógicamente parte del aspecto intelectual es cultivar la teoría, en el jazz cultivar lo que llaman los conceptos, los conceptos para improvisar dentro de la música...o sea, tu tienes una partitura y lo primero que un músico de Jazz hace es darle una vuelta a la armonía, luego meterse dentro del tema, de la melodía y luego crear un concepto para decir Ahh Ok! Voy a poner mi pintura sobre esta pintura, crear paralelos. Y ahí están empleando un aspecto intelectual...conectado obviamente con el aspecto emocional. Yo creo que los guitarristas que no quieren saber nada de teoría , está bien! Que no sepan nada de teoría, solamente les puede decir que no están cultivando un aspecto del ser humano dentro de la música.

GP - Hay guitarristas para los cuales es muy tedioso, por ejemplo, la práctica de escalas..etc..Que no es que les parezca mal, pero tal vez la práctica está mal enfocada ...
Andrés - Yo creo que ahí, dentro de lo que tú me estas diciendo, hay un problema tremendo en cuanto a la educación musical. Te puedo hablar el caso del Conservatorio, por ejemplo, de mí experiencia personal, me enseñaron los modos y un montón de teoría, pero no tenía la menor idea de que hacer con todo eso, para que aprendo todo eso? De mi experiencia en Buenos Aires, en esta escuela que me pareció fantástica, la escuela de Avellaneda , los exámenes de teoría eran con instrumento. Tu tenías que tocar en el instrumento el examen teórico, de esa manera demostrabas que lo que te estaban enseñando lo tenías realmente en los dedos. Para mí esa fue una lección que hasta ahora me sirve, y esa es la manera en que yo enseño. No quiero que la teoría sea vista simplemente como la teoría, la teoría va a ayudarte a descubrir algo y tu lo vas a tener que aplicar en el instrumento, si no lo puedes aplicar, no sirve. Ese es mi criterio.

GP - Mucha gente que toca rock y blues , no sabe mucho acerca de la escala menor melódica, ¿Puedes hablarnos sobre esta escala?
Andrés - La escala melódica es una escala muy rica, se emplea mucho en el Jazz, se emplean mucho los acordes de la escala melódica , se emplea la escala menor melódica incluso dentro de progresiones mayores. En el caso del rock, por ejemplo, las escalas se utilizan muy linealmente...de forma horizontal. En el Jazz utilizamos mucho lo que llamamos las “escalas rotas”, rompemos las escalas y creamos diferentes tipos de dinámicas y aparte de eso también los acordes. Por ejemplo en el caso que te estaba pintando, de tocar la escala menor melódica sobre progresiones mayores , pasa mucho esto en el jazz., por ejemplo tenemos una progresión ii-V-I hacia Eb (F#m7-Bb7-Ebmaj7 ) y a veces sucede que los músicos de jazz están tocando sobre la relativa menor. En el caso de Eb están tocando C menor melódica, Entonces, una vez mas se encaran las escalas menores melódicas desde diferentes rutas, con diferentes posibilidades de llegada a donde vas, sea en mayor o en menor. Por supuesto hay un mundo mas que hablar. Yo te voy a contar un poco de historia. La escala mayor dicen, es como una especia de imitación de un fenómeno natural, que es el fenómeno de los armónicos, osea que un sonido expulsa al otro y así sucesivamente se van hacia el infinito. Y la escala mayor resulta ser la imitación de los primeros armónicos que salen a partir del sonido dado. Por lo tanto la escala mayor es una escala que ya esta en la naturaleza. Ahora, dicen también que la escala menor es producto de la invención humana y por lo tanto es imperfecta, por eso hay tres escalas menores. Es imperfecta por que puedes analizar la escala, y los acordes que se forman a partir de la escala, los acordes dominantes no resuelven en la tónica, resuelven de repente en la tercera u otros resuelven en la sexta, lo cual crea una falta de centro. A eso se refiere con imperfección, con imperfección no me estoy refiriendo a malo o bueno, esto crea riqueza. Entonces si nos vamos a la época en que Bach empezaba a componer contrapuntos, vemos como el desarrolla el modo menor en general, y emplea los tres modos, no emplea solo el melódico, si no los tres, y después de toda esta complejidad humana menor melódica, podríamos decir, o una complejidad en general menor, Bach resuelve todos sus contrapuntos en un acorde mayor, resuelve siempre en mayor, esto es muy muy interesante y la idea era esta pasión por encontrar a Dios. Y Dios esta ejemplificado con este acorde final mayor. Bueno la escala menor es algo muy interesante en general, muy rica....

GP - Algo que quieras agregar Andrés...
Andrés -No, lo unico que quiero agregar es darles las gracias por la entrevista, y espero colaborar en lo que sea con uds y con la página.